Archive for the 'Arte' Category

10
Nov
11

Se Me Nublaron los Ojos.

Gálata Moribundo.

Los gálatas fueron los habitantes que provenientes de la Galia se asentaron en la región central de Asia menor. A partir de los siglos VIII y V a J.C diversos pueblos celtas se extendieron desde su núcleo original centroeuropeo a los países de la periferia; los gálatas se dirigieron al sudeste llegando a recalar en la actual Turquía, concretamente en la región de la Anatolia.

Este pueblo tenía como vecino al reino de Pérgamo y fue en este contexto donde se llevaron a cabo diferentes batallas por conseguir la hegemonía política y militar de la zona. Los saqueos de Pérgamo por parte de los gálatas eran constantes y fue el rey Atalo I Sóter quien obtuvo una importante victoria frente a éstos, victoria que supuso un fuerte revés para el ejército gálata y procuró la tranquilidad al reino de Pérgamo.

Para conmemorar esta victoria, Atalo erigió  un gran monumento , famoso por su escultura central que era ni más ni menos que el Gálata Moribundo y también porque representaba el fin de la amenaza que suponían los gálatas.

La escultura que conocemos actualmente es una copia romana de ésta que descansaba en el monumento de Pérgamo, construída, la original, sobre el año  230 a J.C.

La estatua muestra a un celta moribundo con gran realismo, especialmente en la cara, y es posible que estuviera pintado. Representa a un guerrero con cabellera y bigote al estilo galo. La figura está completamente desnuda excepto por un torque al cuello. Aparece representado luchando contra la muerte, negándose a aceptar su destino. La estatua sirve como recordatorio de la derrota Celta, mostrando así la superioridad de la gente que los venció, y como memorial a la valentía de tan dignos adversarios.

El Gálata moribundo se convirtió en una de las obras más admiradas de entre las que han sobrevivido desde la antigüedad y fue incansablemente copiada y tallada por artistas y escultores. Se cree que fue redescubierta a principios del siglo XVII durante unas excavaciones en Villa Ludovisi, junto al llamado Gálata Ludovisi o Galo suicidándose, y en fue incluida en la colección de la poderosa familia romana de los Ludovisi. Muestra señales de haber sido reparada, la cabeza parece haberse roto a la altura del cuello, aunque no se sabe con certeza si fue reparada en tiempos romanos a tras su redescubrimiento en el siglo XVII

La calidad artística y el expresivo pathos de la estatua despertaron gran admiración entre las clases educadas de los siglos XVII y XVIII, y era una visita obligada del Grand Tour europeo que emprendían algunos jóvenes de la época. Fue copiado extensamente, y muchos reyes, estudiosos y gente poderosa encargaban sus reproducciones del Gálata moribundo

28
Abr
11

Sólo la belleza puede salvar el Mundo

Joaquín Sorolla, El baño del caballo;  Bruce Weber, El baño del elefante.

18
Abr
11

Cuadros para una Exposición.

Ofelia de John Everett Millais.

“Inclinado sobre un riachuelo elévase en la orilla un sauce que refleja su follaje en la corriente cristalina y a él se encaminó Ofelia ataviada con caprichosas guirnaldas […] Trepaba la infeliz por el ramaje para colgar en el árbol su corona de flores silvestres, cuando una pérfida rama, medio desgajada, se tronchó, y la desgraciada ofelia, con sus campesinos trofeos, cayó en el riachuelo deshecho en llanto. Las ropas, huecas y extendidas, la sostuvieron a flote, semejante a una sirena, durante breve espacio; pero, luego, arrastrándola hasta el fondo cenagoso, la infeliz encontró la muerte.”

                                                                   Hamlet. ( William Shakespeare)

Si hay una frase que puede resumir a grandes rasgos la estética de la escuela Prerrafaelita es aquella que dice “hay un sentimiento que nunca se ve expresado en estos cuadros, y es la alegría” y en efecto, la tristeza, la melancolía, los ensueños, las miradas perdidas o dirigidas al vacío o la soledad son las expresiones o sentimientos que nos transmiten estas pinturas de la Inglaterra decimonónica.

En este caso de Ofelia estamos ante la culminación de todo este ideal de decadencia, de pérdida, de desolación, pues se trata de la muerte de una joven noble danesa, Ofelia, prometida del príncipe Hamlet, que, tras los sucesos que han acaecido en su familia, sobre todo tras la muerte de su querido padre, llega a perder la razón y después de vagar errante ataviada de flores y guirnaldas que ha recogido por los bosques aledaños, decide depositar en la rama de un sauce su corona de flores en señal de ofrenda, desgraciadamente, ésta se parte haciendo caer a la joven en el arroyo y provocando su muerte.

Millais retrata el momento en que Ofelia ha caído al arroyo y aún no se ha hundido, pues las capas de su vestido la mantienen a flote todavía,
em el momento que el agua, poco a poco vaya conquistando su terreno, la joven irá adentrándose en sus dominios para al final perecer ahogada.

¿Y la mirada de Ofelia? ¿expresa ese temor a la cercana muerte, ese horror ante la nada? No. Ofelia, como hemos dicho era incapaz ante su propia angustia, no estaba dentro de si, pues había perdido la razón y no era conscientede sus actos. Se la ve templada, coronada por una guirnalda de flores, es arrastrada río abajo mientras canta, inconsciente del peligro de ahogarse, pues se ha vuelto loca…qué pocas cosas tan románticas como la pérdida de la razón, la locura, la entrega al destino y la incapacidad humana ante la inmensidad de la naturaleza.

La modelo elegida para encarnar la figura de Ofelia, fue, por supuesto, Lizzi Siddal; alta, delgada, y con el cabello color rojo cobrizo, encarnaba el ideal de belleza femenina de los prerrafaelitas. La hizo posar en una bañera…algo nada saludable en la fría y húmeda Inglaterra…pero bueno, era por amor al Arte.

En cuanto a la técnica, me parece preciosa la idea sobre como se nos presenta la vegetación de la orilla, pues dice que es casi surrealista en su nitidez y corresponde a la visión alucinatoria del mundo onírico y fantástico de Ofelia. Representa, pues una concepción de la belleza que surge de la melancolía (siempre la melancolía) y de la entrega al destino.
Como podemos observar en la pintura los detalles en las flores, los arbustos, la vestimenta de Ofelia, están cuidados al máximo, Millais se obsesionó bastante en esto, la representación minuciosa de la vegetación hasta casi llegar a lo microscópico ayuda a  expresar aún más el estado psicológico extremo de la heroína.

Fue expuesta en Paris en 1855 y fue admirada sobre todo por sus detalles naturalistas.
El año 2002 que fue el que tuve la suerte y el placer enorme de contemplarlo ante mi, se encontraba en una graciosa sala de la Tate Gallery de Londres (cerca de la Abadía de Westminster y la magnífica y medievalizante puerta de los Reyes del Parlamento) acompañada de la “Muerte de Chatterton” y “La Dama de Shalott”, demasiado bonito para un chico de aldea de 800 habitantes de la provincia de Valencia, pero a veces los sueños se cumplen, y uno de los míos era visitar y contemplar esos Santos Lugares del Arte.

09
Jun
10

Cuadros Para Una Exposición.

La Abadía en Ruinas de Gaspar David Friedrich. (Greiswald 1774- Dresde 1840).

Entre 1809 y 1810 pintó Gaspar David el cuadro de la Abadía en ruínas o Abadía en el robledal. Se inspiró en las ruinas reales del monasterio cisterciense de Eldena en Pomerania (noreste de Alemania en el litoral Báltico). De nuevo la soledad, la desolación y la decadencia están presentes en el pintor del romanticismo. Los desnudos robles, las lápidas enmohecidas y olvidadas, el anochecer y la inmensidad yerma y solitaria.

Por un camino oscuro y yermo que asolan ángeles enfermos, donde Noche es el icono que reina erguido en su negro trono, he llegado aquí como pude…Valles sin fondo y ríos sin cauces y grietas y cuevas y titánicos sauces cuyas formas al hombre escamotean las lágrimas que por doquier gotean.

Los robles evocan ese misticismo mágico y misterioso de la antigua religión celta precristiana, con sus druidas y sus pócimas de la sabiduría infinita y los oráculos y predicciones en la noche de  los tiempos. Las ruinas góticas de la abadía complementarían esta espiritualidad con el cristianismo medieval y la iglesia católica poderosísima en aquellos días. Ahora ya nada…todo ha pasado…tempus fugit irreparabile…como una Alegoría de la Vanidad mundana todo será olvidado, druidas, monjes, pintor y espectador quedando la desolación y la nada.

Pero en Friedrich siempre hay lugar para la esperanza, el cortejo fúnebre de los monjes pasa ante una tumba abierta y se dirige hacia la puerta de la iglesia, en la que aparece un crucifijo iluminado por dos antorchas. El destino final del cortejo, sin embargo, resultará ser el cielo rebosante de luz tras el horizonte, que parece prometer la posibilidad de un mundo mejor más allá de la historia y de la muerte. Al igual que en el Naufragio, el horizonte, el infinito y la inmensidad serán  luz y esperanza para el hombre.

Carl Gustav Carus, amigo del pintor, la describió como la obra de arte poética más profunda de toda la pintura paisajística moderna.

27
Abr
10

Cuadros para una Exposición.

Siguiendo con este sentimiento de melancolía, piedad, tristeza, resignación y cierta espiritualidad o abatimiento del alma, pasamos a contemplar la obra de un pintor tan desconocido como lo era el anterior. No me acuerdo ya del lugar dónde vi por primera vez un cuadro de este pintor Herbert Schmalz ¿a alguien le sonaba? a mi no, jaja. Pues este Schmalz nacido en 1856 y fallecido en 1935, fue un pintor inglés que actuó en la órbita del prerrafaelismo, mucho prerrafaelismo aparecerá en este blog , aviso desde ya, lo que me extraña es que haya tardado 10 posts en escribir el nombre de esta ilustre escuela decadente, decimonónica y demás epítetos que tanto me gustan.

Schmalz aborda dos temáticas principalmente: el orientalismo y la vida de Jesús de la que se inspiró tras una visita realizada a Jerusalém en 1890. Me gustan mucho de este autor dos cuadros, El retorno del Calvario e Imogen ( es un personaje shakesperiano) .

 

27
Abr
10

Cuadros para una Exposición.

Karole Ferenczy. (1862-1917)

Transitando por las páginas de internet casi todos los días nos encontramos con obras, autores, historias, composiciones nuevas que desconocíamos y que pasan a formar parte desde ese momento de nuestro bagaje cultural y emocional pues son obras, frases o melodías que concuerdan con nuestro ideal estético y nuestra manera de ver el mundo en la lucha para evitar la monotonía y evadirnos de ella transitando por otros derroteros más acordes con nuestra forma de comprender el mundo.

Es lo que me pasó con este cuadro de un pintor para mi desconocido que era Karoly Ferenczy; encuadrado en la escuela impresionista, pues realizó estudios en academias de Paris y sus cuadros son claro ejemplo de ello, pues como los impresionistas pintó paisajes al aire libre, desnudos, almuerzos y demás. Este cuadro que me deslumbró desde el primer instante que lo vi, pues no goza de estas características. Aunque Ferenczy es impresionista, su Orfeo pintado en 1894 es un cuadro simbolista, por su temática mitológica, su pathos melancólico y espiritual propios de este estilo decadente y poético.

Orfeo tocaba la lira tan bien que los hombres se reunían para  escucharlo y hacer descansar su alma. Enamoró a la bella Eurídice, mientras paseaban ésta fue mordida por una serpiente y murió. Orfeo se lamentó amargamente por este trágico suceso, tocó canciones tan tristes y lastimeras que todas las ninfas y dioses lloraron y le aconsejaron que descendiera al inframundo. Ablandó con su música el corazón de los demonios e hizo llorar a los tormentos (la única vez que esto ha pasado) y al fin Hades y Perséfone permitieron a Eurídice retornar con él a la tierra con la condición de que no debía ninguno de los dos mirar atrás hasta que hubieran alcanzado el mundo superior y los rayos de sol hubieran alcanzado a Eurídice. Llegaron finalmente a la superficie, y por la desesperación, Orfeo volvió la cabeza para verla, pero ella no había sido bañada completamente por el sol, todavía tenía un pie en el camino al inframundo. Eurídice se desvaneció en el aire, ahora para siempre.

Danza de los espíritus bienaventurados, Orfeo y Eurídice de C.W. Gluck.

17
Abr
10

Se me nublaron los ojos.

La primera vez que vi este corto fue en la 2 en el programa que presenta la hija de Fernando Guillén, no me acuerdo el nombre de la hija, del programa si “Versión Española”, era un viernes como hoy de hace un montón de años, no sé si reinaba mi amigo o el que hay ahora, supongo que ya estaría ZP. Echaban primero una peli, creo recordar que era “Un hombre llamado Flor de Otoño” con José Sacristán, es que si no lo he dicho aún, el programa trataba sobre la homosexualidad, no sé si a raiz de por aquél entonces haberse aprobado el matrimonio entre personas del mismo sexo, algo de lo que siempre le estaré agradecido a este señor, lástima que en economía no acierte tanto. Después de la peli, emitieron el corto y me quedé fascinado con él. Tanto que bueno, le escribí varios emails a la autora y la llamé por teléfono, me hice con el móvil que estaba por internet. Ella me contestó :

Bueno antes de eso, decir que no tenía yo ni el correo de hotmail activado ni nada, porque me resultaba complicada la operación, estoy reñido con la informática, ya sabes, pero como era tanto el interés que tenía pues hice lo imposible por activarlo y escribirle a María Trénor, que es la directora del corto que tanto me gustó. Ella me respondió:

Querido Vicent:

tu carta es la más bonita que he recibido con motivo del corto.
Sin duda has captado a la perfección el espíritu de “Con qué la lavaré”, estoy emocionada.

Claro que te voy a enviar con gusto sumo un DVD.

Muchos besos y gracias por tu precioso e-mail.

María

María me lo envió y lo guardo como un tesoro. A mi me encanta la Música Antigua, “Con qué la lavaré” es una pieza del Renacimiento Valenciano pues está incluída en el “Cançoner d´Uppsala” también conocido como del “Duque de Calabria”, por ser en esta Corte donde se recopilaron y escucharon estas melodías y canciones melancólicas, me encanta la zona antigua de Valencia que es donde está ambientado el corto, he salido bastante por ahí. Y también el homenaje que se hace a los autores de estética gay u homoerótica, como Pierre et Gilles, Mapplethorpe, Hugo Pratt, etc…Luego la luna de Valencia, ese antro perdido en la zona antigua, con esos personajes tan característicos y originales, interesantes y raros, y luego el chico que descubre por primera este mundo tan sensual y alternativo, todo ello coronado con la aparición en escena de la Dolorosa y la devoción mariana, música antigua, homoerostismo, y religión, creo que pondré esas etiquetas, creo que si.

Bueno pues nada, aquí está el corto que tanto me afectó por aquellos días del año 2005, cuando aún no existía buho21 y leía y miraba la televisión, en fin..