Posts Tagged ‘Arte

10
Nov
11

Se Me Nublaron los Ojos.

Gálata Moribundo.

Los gálatas fueron los habitantes que provenientes de la Galia se asentaron en la región central de Asia menor. A partir de los siglos VIII y V a J.C diversos pueblos celtas se extendieron desde su núcleo original centroeuropeo a los países de la periferia; los gálatas se dirigieron al sudeste llegando a recalar en la actual Turquía, concretamente en la región de la Anatolia.

Este pueblo tenía como vecino al reino de Pérgamo y fue en este contexto donde se llevaron a cabo diferentes batallas por conseguir la hegemonía política y militar de la zona. Los saqueos de Pérgamo por parte de los gálatas eran constantes y fue el rey Atalo I Sóter quien obtuvo una importante victoria frente a éstos, victoria que supuso un fuerte revés para el ejército gálata y procuró la tranquilidad al reino de Pérgamo.

Para conmemorar esta victoria, Atalo erigió  un gran monumento , famoso por su escultura central que era ni más ni menos que el Gálata Moribundo y también porque representaba el fin de la amenaza que suponían los gálatas.

La escultura que conocemos actualmente es una copia romana de ésta que descansaba en el monumento de Pérgamo, construída, la original, sobre el año  230 a J.C.

La estatua muestra a un celta moribundo con gran realismo, especialmente en la cara, y es posible que estuviera pintado. Representa a un guerrero con cabellera y bigote al estilo galo. La figura está completamente desnuda excepto por un torque al cuello. Aparece representado luchando contra la muerte, negándose a aceptar su destino. La estatua sirve como recordatorio de la derrota Celta, mostrando así la superioridad de la gente que los venció, y como memorial a la valentía de tan dignos adversarios.

El Gálata moribundo se convirtió en una de las obras más admiradas de entre las que han sobrevivido desde la antigüedad y fue incansablemente copiada y tallada por artistas y escultores. Se cree que fue redescubierta a principios del siglo XVII durante unas excavaciones en Villa Ludovisi, junto al llamado Gálata Ludovisi o Galo suicidándose, y en fue incluida en la colección de la poderosa familia romana de los Ludovisi. Muestra señales de haber sido reparada, la cabeza parece haberse roto a la altura del cuello, aunque no se sabe con certeza si fue reparada en tiempos romanos a tras su redescubrimiento en el siglo XVII

La calidad artística y el expresivo pathos de la estatua despertaron gran admiración entre las clases educadas de los siglos XVII y XVIII, y era una visita obligada del Grand Tour europeo que emprendían algunos jóvenes de la época. Fue copiado extensamente, y muchos reyes, estudiosos y gente poderosa encargaban sus reproducciones del Gálata moribundo

15
Abr
10

Cuadros para una Exposición.

El Naufragio de la Esperanza, de Gaspar David Friedrich, 1824.

El naufragio de la Esperanza, Mar helado, Paisaje ártico, Mar glacial, El mar de hielo, muchos son los títulos por los que es conocida esta pintura del maestro del Romanticismo alemán David Friedrich. Es sin duda, su obra más célebre, podría serlo junto a la “Abadía en ruinas” o el “Caminante ante el mar de niebla”.

Hasta el conocimiento de la obra de Alma-Tadema allá por el año 95 cuando Salvat ofertaba el primer tomo de su enciclopedia por 495 pesetas, creo, y donde conocí a este pintor “neoclasicista de la época victoriana” dice la wiki, jajaja, yo lo veo más prerrafaelita tardío, de hecho para mi es el triunfo de esta escuela su pintura, hasta ese día que compré el libro y donde aparecía en la A como es natural Don Lawrence Alma Tadema, Gaspar David friedrich y el Naufragio de la Esperanza eran mi pintor y mi cuadro preferido.

¿Qué buscamos cada uno a la hora de valorar un cuadro? ¿Que tenga una composición y unas formas bellas y equilibradas?(estética) ¿que nos haga sentir, reflexionar, evadirnos y meditar sobre la poesía de la vida? (patética)¿que vaya más allá del simple arte y tenga un significado transgresor, removedor de conciencias, crítico y reformista? (ética).

En mi caso estaría con la segunda opción, la de la poesía, la evasión romántica a otras épocas pasadas, la antigüedad clásica o el medioevo, la melancolía de los paisajes, la desolación del alma y el horror de la vida, la angustia existencial…eso es lo que representa el Naufragio de Friedrich, el destino trágico de la condición humana. No hay esperanza, y lo representa a través de grandes témpanos cortantes de hielo, frío, desolación, invierno, muerte…pero, aunque el mar se ha helado y la naturaleza parece condenada a muerte, al igual que el barco, el cielo rebosante de luz y el horizonte infinito simbolizan la esperanza de redención. Los afilados bloques de hielo amontonados en forma de pirámide desigual en primer plano, contrastan con la ligereza y la transparencia del fondo apacible. Así que, aunque se hunde la Esperanza, al final siempre, siempre está la duda de la salvación.

Ah, y se me olvidaba, nadie sabe donde está este cuadro, pasa igual que con la Muerte de Marat de Luis David (Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas) o los Niños en la playa de Sorolla (Prado), el Hundimiento de la Esperanza descansa en el Hamburger Kunsthalle, vaya nombrecito para el museo!! pues ahí está  en Hamburgo.

08
Abr
10

El Sonido de los Planetas.

Orlandus Lassus. (1532-1594)

Durante un viaje por Flandes, el virrey de Sicilia oye la bonita voz de un niño de 12 años y decide llevárselo con él. Este niño es Orlando di Lassus.
El joven Orlando aprende música a través de los numerosos viajes de su protector. Así, Lassus, viaja a Italia, Inglaterra, reside en Munich y allí llega a ser Maestro de Capilla. Su inmenso renombre proviene del extraordinario número de obras que crea: unas 2.400 (más que Mozart y Bach juntos). Como se inspira en todos los estilos, Orlando es el músico europeo por excelencia.
De toda la obra de Lassus, cabría resaltar sus “Lágrimas de San Pedro”, (después de negar por tres veces a Jesús, San Pedro llora desconsoladamente, es tanta su aflicción que hasta le salen surcos en los ojos). La obra es un conjunto de 20 madrigales sacros y un motete final (fabuloso) a 4 voces, el Vide Homo Quae Pro Te Patior.

El texto, un digno ejemplo de la refinada sensibilidad napolitana del quinientos en donde existen también fuertes acentuaciones dramáticas típicas de la influencia Hispana, describe el arrepentimiento de San Pedro después de haber renegado repetidas veces al Señor durante la Pasión, antes del canto del gallo. Al sutil dramatismo del texto, el compositor flamenco adhiere con una escritura sobria pero fuertemente incisiva renunciando a las experimentaciones atrevidas, típicas de los madrigales juveniles.

Vide homo, quae pro te patior;
Ad te clamo, qui pro te morior;
Vide poenas, quibus afficior;
Vide clavos, quibus confodior;
Non est dolor, sicut quo crucior,

Et cum sit tantus dolor exterior,
Intus tamen dolor est gravior,
Tam ingratum cum te experior.

 

06
Abr
10

Cuadros para una Exposición.

Las Amapolas de Claude Monet. 1873.

 

 

En el librito de Historia del Arte titulado “Apolo”  y editado el año 1916 en Madrid, que adquirí en la Feria del Libro Antiguo y de Ocasión,  se menciona a los impresionistas bastante de pasada, sin darles la importancia que durante el siglo XX irían consiguiendo y que les ha consagrado como uno de los estilos más valorados y buscados por los amantes del arte.

En este libro, estilos como el simbolismo o el prerrafaelismo quedan muy por encima del Impresionismo, y se jacta el autor al contarnos una anécdota protagonizada por el siempre polémico y conservador John Ruskin que le dijo a Whistler tras ver una exposición de cuadros suyos “a la francesa” que  “había arrojado un bote de colores al rostro del público”, naturalmente Whistler se querelló contra Ruskin (1878) y obtuvo un céntimo por intereses y perjuicios de recompensa.

Por mucho que Ruskin y muchos otros críticos rabiaran ante este nuevo estilo pictórico, el Impresionismo triunfó y es  el Museo de Orsay en Paris, la catedral donde reposan los cuadros más importantes de este estilo, entre ellos el protagonista que nos ocupa, Las Amapolas de Claude Monet.